HISTORIA DEL CONCEPTO DE BELLEZA

HISTORIA DEL CONCEPTO DE BELLEZA

A)   GRECIA CLASICA- En ésta época surge la idea de lo sublime  como atributo de la belleza, idea desarrollada por LONGINO (filósofo). SUBLIME = Es aquello que forma parte de una obra, de un objeto o de una situación y que nos impacta, persuade, convence, estremece sin saber exactamente porque, va mas allá de lo razonable y de lo objetivo)

Nombre común de las cosas bellas y que tenían una armonía en sus proporciones por lo se percibía desde un punto de vista objetivo.

la belleza era tanto la natural como la de un objeto hecho por el hombre, si bien no tenía una definición clara y se asociaba generalmente con otras cualidades:

·      Lo bello es lo que gusta, lo que resulta grato a la mirada del espectador

·      La belleza produce placer-bondad-justo-verdadero)

·      Es producto  de un orden que se da en la naturaleza, de ahi se origina el principio de equilibrio y proporcionalidad, y los griegos descubren la Sección Aurea.

·      La belleza es una idealización de la naturaleza y de la figura humana.

·      Para Sócrates la belleza incluye la parte espiritual, es cuerpo y alma.

·      Para Platón la belleza tiene que ver con la armonia y el origen de la belleza está en las ideas como entidades que existen más alla de la realidad.

B)   MEDIEVO ( SIGLO IV-XV)

La belleza dependía de la intervención de Dios. De modo que, si se consideraba bello algo, es porque había sido una creación divina. De ahí que se distinguiese entre la belleza material, externa y que se marchita con el tiempo, y la espiritual, la interior y permanente como la bondad, el amor, la simpatía, etc. la belleza está al servicio de la revelación, sirve para expresar las verdades cristianas. El arte medieval se vio influido por la inmaterialidad de Plotino: para los autores medievales la belleza está en la expresión, no en las formas, es una estética subjetiva.

C)   RENACIMIENTO

Formas redondeadas y voluminosas, exponiendo la belleza femenina robusta y adiposa. Se cree que esta forma se debe al esfuerzo que se requería para conseguir una buena alimentación. Esto se puede ver representado en las esculturas que existieron en esta época.

Leonardo Da Vinci dedicó buena parte de su Tratado de pintura a expresar las proporciones más armónicas entre todas las partes del cuerpo con el "hombre de Vitruvio". En él, el ombligo era el punto central natural del cuerpo humano y el centro de la circunferencia y del cuadrado en el que se inscribe el cuerpo del hombre extendido. En este dibujo representa las proporciones que podían establecerse en el cuerpo humano, la proporción áurea que viene representada por el número 1’618. Esta proporción refleja la máxima belleza y perfección, es decir la belleza divina. El rectángulo asociado se denomina áureo. Para Leonardo, el hombre era el modelo del universo y lo más importante era vincular lo que descubría en el interior del cuerpo humano con lo que observaba en la naturaleza.

a belleza oscila entre una concepción realista de imitación de la naturaleza y una visión ideal de perfección sobrenatural, siendo el mundo visible el camino para ascender a una dimensión suprasensible.

D)   SIGLO XVII-XVIII

Tres clases de belleza: «esencial», que es objetiva al estar por encima de cualquier consideración humana; «natural», igualmente objetiva pero a nivel humano, aunque ajena a opiniones de gusto; y «arbitraria», que es subjetiva y relativa

Denis Diderot definió la belleza como lo siguiente: belleza como la percepción de las relaciones, dependiente de la visión personal, negando una belleza absoluta, normativa. Su estética fluctuaba entre una búsqueda de reglas racionales y un sensualismo de valores subjetivos, basándose en las sensaciones, las emociones.

E)    SIGLO XIX ( ROMANTICISMO)

La belleza es la verdad. La belleza viene de los sentimientos y las pasiones, y como nosotros tenemos nuestros sentimientos y pasiones particulares, así también tenemos nuestras bellezas particulares..., por tanto, la belleza absoluta no existe, en todo caso ella no es más que una abstracción espumada de la superficie general de las bellezas diversas y particulares” (Charles Baudelaire). Así, la belleza para el romanticismo estaba entonces en la capacidad expresiva e individual del artista, la belleza de su obra estaba determinada por la intensidad del gesto de los sentimientos: una obra era más bella si los sentimientos expresados eran más intensos

el concepto de belleza se alejó de cánones clásicos, reivindicando la belleza ambigua, que acepta aspectos como lo grotesco y lo macabro, que no suponen la negación de la belleza, sino su otra cara

F)    EPOCA MODERNA ( SIGLO XX)

Por otro lado, las nuevas tecnologías hacen que el arte cambie de función, ya que la fotografía y el cine ya se encargan de plasmar la realidad. Todos estos factores produjeron la génesis del arte abstracto, donde el artista ya no intenta reflejar la realidad, sino su mundo interior, expresar sus sentimientos.

El arte contemporaneo está íntimamente ligado a la sociedad, a la evolución de los conceptos sociales, como el mecanicismo y la desvalorización del tiempo y la belleza. Es un arte que destaca por su instantaneidad, necesita poco tiempo de percepción. El kitsch, la nueva categoría estética surgida en el siglo XX, es la esencia de la fealdad, una copia de un objeto clásico sometida a retoques y exigencias de la mediocridad; es consumista, efímero, mecánico.

 

 

ANALISIS DE GUERNICA - PABLO PICASSO

Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso pintado en los meses de mayo y junio de 1937, debido al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Gobier

no de la Republica Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposicion Internacional de 1937 en Paris, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.

El Guernica es un óleo sobre lienzo, con unas dimensiones 

de 3,50 x 7,80 m, está pintado utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada gama de grises.

La estructura del cuadro es semejante a la de un triptico cuyo panel central está ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara

. Los laterales serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto. Las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara.

En el cuadro aparecen representados nueve símbolos: seis seres humanos y tres animales (toro, caballo y paloma). De izquierda a derecha, los personajes s

on los siguientes:

Toro. Aparece en la izquierda del cuadro, con el cuerpo oscuro y la cabeza blanca. Éste voltea y parece mostrarse aturdido ante lo que ocurre a su alrededor. Al ser preguntado sobre el simbolismo del toro, Picasso indicó que simbolizaba "brutali

dad y oscuridad".

Madre con hijo muerto. Se sitúa bajo el toro, como protegida por él, con la cara vuelta hacia el cielo con grito de dolor. Su lengua es afilada como un estilete y sus ojos tienen forma de lágrimas. Sostiene en sus brazos a su hijo ya muerto.

Paloma. Situada entre el toro y el caballo, a la altura de sus cabezas, no resulta visible a simple vista, pues, excepto por una franja de color blanco, es del mismo color que el fondo y únicamente está trazada su silueta. Tiene un

 ala caída y la cabeza vuelta hacia arriba, con el pico abierto. Generalmente se ha considerado un símbolo de la paz rota.

Guerrero muerto. En realidad, sólo apare

cen los restos de la cabeza, brazo completo o antebrazo derecho y antebrazo izquierdo. Un brazo tiene la mano extendida. El otro brazo sostiene una espada rota y una flor, que puede interpretarse como un rayo de esperanza en esa situacion

Bombilla. Es una de las imágenes que más intriga despierta, imagen ubicada en el centro del cuadro. Se ha dicho que ésta simboliza el avance c

ientífico y electrónico que se convierte en una forma de avance social pero al mismo tiempo en una forma de destrucción masiva en las guerras modernas. El bombardeo de Guernica pudo ser una prueba de esta tecnología.

Caballo. Ocupa el centro de la composición. Adelanta una de las patas delanteras para mantenerse en equilibrio, pues parece a punto de caerse. En su costado se abre una herida vertical y está, además, atravesado por una lanza.

Mujer arrodillada. Otra versión es que la mujer está herida

 y se acerca a la yegua para descansar de sus heridas. La pierna de la mujer que camina hacia el centro está visiblemente dislocada o cortada, con una hemorragia que trata de frenar inútilmente con su mano derecha, por lo que lleva la pierna arrastrada y ya medio muerta

Mujer del quinqué. Ilumina la estancia con u

na vela y avanza con la mirada perdida, como en un estado de shock. Esta mujer se interpreta como una alegoría fantasmagórica de la República.

Casa en llamas.

Representando la situacion en el bombardeo de Guernica.

A continuación anexare un dibujo hecho en clase que muestra las formas básicas de la pintura:

POWER OF ART- PABLO PICASSO

Éste documental trata de explicar el porque las pinturas de Picasso, que fué lo que realmente lo llevo a hacer éstas obras y cual era su objetivo principalmente. Picasso fué considerado como un pintor cubista, más sin embargo fué un pintor de muchas facetas, debido a que él pintaba en diferentes épocas de su vida en las cuales cambiaba su perspectiva relacionado a lo que estaba viviendo.

Muchas de sus obras estuvieron basadas en Francisco Goya, ya que fué uno de los primeros pintores en 1800 que sintieron la necesidad de pintar o plasmar sus pensamientos de inconformidad de manera que la demás gente los pudiera ver. Pablo Picasso plasmaba en sus obras de arte, todos sus sentimientos y pensamientos, es por eso que por medio de sus pinturas podemos darnos una vaga idea de cual era la situacion por la que estaba pasando en ese momento. Lo que hizo pintar de ésta manera a Picasso fue el hecho de que tuvo mucha experiencia en el amor y en la vida propia, fue una persona que tuvo demasiados golpes, debido a que era una persona de bajos recursos, con amantes como Maria Theresa ( que podemos encontrarla en varias de sus pinturas, generalmente pintada con curvas y de una manera en la que Picasso quizo representar perfección y pasión) Olga ( su esposa con la que siempre estaba en conflicto, muchas veces pintada de una manera fea o irreal) y la fotografìa que no recuerdo exactamente su nombre pero ayudo a dar los últimos brochasos a Picasso en su obra Guernica, quien también fué una de sus ultimas acompañantes y amante.  

Picasso plasmo todo lo que el sentía en sus obras, en las cuales podemos ver tres elementos que nunca faltan: El Toro, El caballo Y la vela sostenida por alguien, representando el bien.

Siempre hay lucha de bien y mal, representando objetos buenos y malos. En el caso de Guernica podemos observar como los pensamientos de su pasado, a su avanzada edad, regresaron a su pintura. Los mismos tres elementos se encuentran en la pintura, incluyendo obviamente el suceso horrible que paso en Guernica, España. 

Picasso pinto esta obra que es considerada como la mejor y la que causó más escándalo debido a que estaba inconforme con lo que había pasado y envolvió sus sentimientos y pensamientos en ésta magnifica obra, la cual no solo se tomo como un pedazo de obra sino también como una predicción de lo que venía. Lo hizo ver como si hubiera sido un momento trágico en la noche, a pesar de que ocurrió en la tarde, pero sus representaciones fueron entendidas por toda la gente que vivió en aquella época y nadie lo entendería mejor que los mismos españoles.

Por mucho tiempo ésta pintura se encontro en el MOMA hasta que terminó el poder de Franco y comenzó otra era, solo asi Picasso dejó que trasladaran su obra de arte de nuevo a España.

Como opinion personal, puedo decir que este documental fué muy buena herramienta para entender más la vida de Picasso y relacionarlo con sus obras, porque asi no solo se aprende sino se entiende y cuando se logra entender el porque de las cosas, los conocimientos se quedan grabados en la mente y sintiendo el arte es la unica manera en la que lo puedes crear.

" La inspiración existe, pero debe encontrarte trabajando"

- Pablo Picasso