ICONOS IMPORTANTES

SILLA DE RIETVELD

Gerrit Rietveld (24 junio de 1888 en Utrecht al 25 de junio de 1964) fue un arquitecto y diseñador holandés.

En 1911 Rietveld puso en marcha su propia fábrica de muebles, mientras estudiaba arquitectura. En 1918 diseñó la Silla Roja y Azul, influenciado por el movimiento De Stijl, al que entró a formar parte en 1919 el mismo año en que se graduó. En 1924 proyectó la Casa Rietveld Schröder, en Utrecht su obra más importante.

Rietveld rompió con el movimiento De Stijl en 1928 y se unió al Nieuwe Zakelijkheid. Ese mismo año se adhirió al Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (CIAM).

COCA COLA

John Stith Pemberton, respetado farmacéutico de Atlanta, Georgia, era un hombre creativo, al igual que otros farmacéuticos profesionales de su tiempo, muchos de los cuales bordeaban el curanderismo; creó sus propias recetas secretas para curar a unos clientes enfermos. Su primer brebaje fue un jarabe para la tos, Globe of Flower, que no obtuvo buenos resultados. Su siguiente creación fue Extract of Stylinger, que también fracasó a la hora de proporcionarle el éxito que soñaba, incluso su French Wine of Coca apenas logró ventas. Los clientes se quejaban de que todos sus preparados sabían muy mal.

Sin embargo, el 8 de mayo de 1886, el mismo año en que se erigió la Estatua de la Libertad, el otro gran símbolo norteamericano, Pemberton preparó una nueva variante sobre el fuego de su jardín trasero que –tras un lento arranque- cambiaría el mundo. Una vez hubo diluido su oscuro jarabe con soda, algunos de los clientes de su farmacia se ofrecieron a probar la bebida. Durante el primer año sólo se vendieron unos 3.200 vasos, ya fuese como medicina o como refresco. Incluso insinuando que la bebida podía incrementar la potencia sexual del bebedor sólo causó un impacto moderado en las ventas. Su socio, Frank Robinson, inventó el nombre Coca-Cola y también fue responsable de la estilizada tipografía que se viene usando desde entonces, prácticamente inalterada, a modo de marca de fábrica y de nombre del producto mismo.

Unos años después de la muerte de Pemberton, los derechos se vendieron a Asa Candler, que fundó la compañía Coca-Cola en Atlanta en 1892. El jarabe se distribuía entre las heladerías del distrito y se diluía con soda en el vaso del cliente. En 1894, varias embotelladoras obtuvieron el permiso para rellenar los envases con una combinación del jarabe y soda a condición de que la elaboración del jarabe quedara en manos de Coca-Cola Company, que seguiría siendo la responsable de toda la publicidad. Este sistema de franquicia es el que todavía se usa en la actualidad.

Las embotelladoras independientes utilizaban cada una sus propios envases de tal manera que, a medida que el número de embotelladoras aumentaba y la distribución se expandía gradualmente por Estados Unidos, la bebida comenzó a ser distribuida en botellas de varias formas y tamaños, allanando el camino a los imitadores. Incluso el nombre de la marca quedó desprotegido. La compañía se veía constantemente envuelta en litigios para salvaguardar su producto y la variedad de envases dificultaba cada vez más realizar campañas publicitarias eficaces. En 1915, se solucionó el problema: la empresa decidió diseñar la botella y convocó un concurso, que ganó la empresa Root Glass Company. Al parecer, un ayudante de oficina fue a la biblioteca para buscar una ilustración del fruto de la cola que inspirase el diseño y regresó con un dibujo de una vaina de cacao arrancado de una enciclopedia.

No se sabe quién exactamente inventó el diseño, pero en 1915 se registró la patente con el nombre del director, Alexander Samuelson. Al año siguiente se produjo una versión mucho más estilizada de la botella que, junto con el nombre de la marca y la marca registrada, son hoy el símbolo de algo más que un simple refresco.

Y esto el resto.

METRO DE LONDRES

El primer metro del mundo, tuvo varios cambios o adaptaciones.

LOS CONCEPTOS DE BELLEZA EN KANT Y EN SCHILLER

IMMANUEL KANT

Afirmaba Kant que la estética es una paradoja: es la conceptualidad sin concepto, la finalidad sin fin; por tanto, separó lógica y estética, porque ésta no tiene concepto. Para Kant, es bello aquello que sin concepto gusta universalmente. Rompió la idea de la perfección interna de la belleza: las cosas no son bellas en sí mismas, sino por su impresión en nosotros. La universalidad del juicio estético proviene de un estado suprasensible, común a la naturaleza humana; así, la subjetividad estética, al ser común, propicia una cierta objetividad, basada en leyes naturales –aunque no conocemos su procedencia–. Las ideas estéticas excitan el pensamiento sin un conocimiento conceptual. Al separar la estética de la racionalidad, Kant otorgó a ésta una base de autonomía, poniendo los cimientos de la estética contemporánea.

En Observaciones sobre el sentimiento de lo bello y lo sublime (1764) Kant sistematizó otra categoría estética, lo sublime. Para Kant lo sublime es el exceso, el desbordamiento: así como la belleza es la forma contenida, limitada, humana, lo sublime desborda la forma, se dirige al infinito. La belleza comporta gusto, lo sublime atracción. La sublimidad es el punto donde la belleza pierde las formas, es el superlativo de la belleza. Lo sublime es «aquello absolutamente grande», aquello que del infinito somos capaces de imaginar. Es lo que gusta inmediatamente por la resistencia que opone al interés de los sentidos: una música muy alta, un sabor muy fuerte, un olor muy intenso. Kant distinguió un sublime «matemático» (del intelecto) y otro «dinámico» (de los sentidos); el matemático se opone a la comprensión, mientras que el dinámico puede amenazar nuestra integridad física (por ejemplo, una tormenta de mar).

JOHANN CHRISTOPH FRIEDRICH VON SCHILLER

Estas ideas están presentes primeramente en la obra("Sobre la gracia y la dignidad")donde Schiller demuestra que el arte y la moral se complementan para elevar al hombre a la dignidad. El pensador hace la distinción entre la belleza y la gracia, la una exprime la plenitud de la naturaleza y la otra el pensamiento. La naturaleza ofrece la belleza arquitectónica y el alma, lo bello del movimiento. La gracia, es la belleza de la forma bajo la influencia de la libertad. La belleza arquitectónica en un don de la naturaleza, la gracia es un mérito personal. Los movimientos – los gestos, actitudes- traducen la espontaneidad personal del hombre. Así la gracia es la mediación superior de la dignidad humana. La moral no debe ser, como para Kant, un esfuerzo voluntario y racional hacia el deber: ella nos pide cultivar el sentido moral inmediato, que conduce al hombre a la belleza moral, Si el hombre no era moral sacrificando su naturaleza espontanea, él sería a la vez sublime, heroico  desgraciado; y si el hombre fuera hacia el bien espontáneamente en tanto que es consciente él carecería de dignidad. 

Pero hay un espacio donde el deber  y el sentimiento se reconcilian donde el hombre comprende la naturaleza sin perder el derecho de pertenecer al mundo inteligible; es el estadio de la perfección estética, la belleza traspasa a la vez la sugestión egoísta y el esfuerzo de la maestría racional.

Es necesario ver claramente como Schiller corrige y traspasa a Kant. Este tiene razón al sostener que la aprobación de los sentidos no garantiza la moralidad de nuestras acciones; pero no tiene razón al rechazar la asociación de los sentimientos a las leyes principales de la razón. El hombre debe obedecer con placer y razón. El deber moral y el instinto natural deben ponerse de acuerdo en el hombre, el cual merece ese nombre. "solo por eso es, que la naturaleza ha hecho de él un ser, a la vez, razonable  y sensible es decir, un hombre, ella le ha prescrito la obligación desde ningún punto de vista  separar lo que ella a unido, de no sacrificar las más puras manifestaciones de su parte divina de nunca fundar el triunfo sobre la opresión y la ruina del otro(5) 

La razón no debe hacerse enemiga de la sensibilidad, mas bien una amiga. "El enemigo que no cambia puede aun revelarse: pero el enemigo que se reconcilia es verdaderamente vencido(6) 

El individuo en el cual se concreta la armonía entre la naturaleza y la razón, entre la inclinación natural y el deber, está dotado, según Schiller de una bella alma "se dice de un hombre que es un alma bella cuando el sentido moral ha terminado por asegurarse de todas las afecciones, hasta el punto de abandonar sin miedo, a la sensibilidad la dirección de la voluntad y de nunca correr el riesgo de encontrase en desacuerdo con las decisiones de ésta. Para el hombre, en el cual los sentidos están en contradicción con la razón, el acoplamiento del deber moral es difícil porque debe someterse al control de la ley moral como revancha, para el hombre a la bella alma, la actividad moral es el producto de todo su ser.  

Se observa que Schiller rompe el cuadro estrecho del rigorismo kantiano. El filósofo de Konigsberg a pesar de su esfuerzo de armonizar el mundo de los sentidos y el mundo moral, sacrifica la pulsión de la vida a favor de la ley moral sosteniendo que la virtud no puede ser virtud cuando se realiza por una inclinación natural.

La manera de resolver la cuestión entre la necesidad y la libertad, lo sensible  y lo inteligible, establece la diferencia radical entre la concepción de Schiller y la de Kant. El de Konigsberg plantea la cuestión de la relación entre la teoría, la ética y la estética pero la ha dejado en suspenso a causa de su vigor: Schiller ha acertado al armonizar, gracias a su genio artístico, las tres facultades del espíritu y ofrecen una imagen de hombre total. Kant no tuvo éxito en la reconciliación porque según él estas facultades representaban más bien, aspectos estéticos, rígidos. Al contrario, en Schiller, se convierten en entidades dinámicas, dialécticas que llegan finalmente a combinarse y a cristalizar en una armonía superior.

ANALISIS DE LAS MENINAS- DIEGO VELAZQUEZ

•  Lo que principalmente destaca en el cuadro es la perspectiva. Esta está conseguida principalmente por  la luz y la perspectiva aérea. Hay varias fuentes de luz en la obra , la que entra por la ventana e ilumina a los personajes de primer plano, la que entra por la última ventana e ilumina a las lamparas y la que sale de la puerta del fondo, que es la más intensa y la que da profundidad al cuadro. En esta puerta aparece un hombre que cumple la misión de atenuar la luz que ,sin su presencia, seria demasiado intensa. La perspectiva aérea consiste en que los colores pierden intensidad con la distancia debido por la masa de aire.

Las líneas de fuga se presentan en los cuadros de la derecha. La gran porción de techo también ayuda a crear la perspectiva.

La líneas horizontales y verticales de los cuadros contrastan con las curvas de los personajes de primer plano, que dan flexibilidad a la obra. Una curva desciende desde la cabeza del pintor hacia la infanta, asciende hacia la dama de la izquierda y desciende de nuevo para alcanzar el borde del lienzo. Los colgaderos del techo dirigen la mirada hacia el fondo el ultimo la guía hacia el espejo con la imagen de los reyes. En primer plano los rasgos exagerados de la bufona y sus ropas oscuras contrastan con la delicadeza de la infanta.

•  De izquierda a derecha se observa : un gran lienzo, un pintor vestido como cortesano con una paleta y unos largos pinceles, un dama que le ofrece a la infanta un búcaro sobre un plato de oro, la infanta, una dama con actitud respetuosa, una bufona y un enano que da una patada a un perro adormilado. Un poco más atrás se ve a un mujer con habito de monja hablándole a un hombre que parece no echarle cuenta. En el fondo del lienzo se ven a un hombre entre una puerta y un espejo con dos figuras. Todo el lienzo está envuelto por paredes con cuadros colgados.

  
  

•  El cuadro presenta el momento en el que la familia real va visitar a los reyes mientras Velázquez los retrata. La figura de los monarcas se observa en el espejo del fondo. Los personajes, que miran a los retratados, son: Velázquez, doña Agustina Sarmiento, menina de la infanta, la infanta Margarita, Doña Isabel de Velasco, menina de la infanta, Maribárbola, bufona y Nicolasito Pertusato. Detrás se ve a Marcela de Ulloa y ,para algunos, Diego Ruiz de Azcona. En último plano de ve a José nieto ,aposentador de la reina, mayordomo y guardadamas.

•  La obra fue ejecutada para la contemplación del rey. Velázquez quiso animar al rey a pensar sobre la condición del pintor de cámara real .

•  Velázquez logra en este cuadro captar el espacio a la vez que transmite silencio y tranquilidad ,solo rotos por Marcela de Ulloa. En este cuadro utiliza pinceladas largas, que hace que la imagen solo se forme en la retina a una cierta distancia, para ello utiliza largos pinceles. Uno de los pocos elementos barrocos que posee el lienzo es la gran porción de techo. También se aprecia la delicadeza de los retratos, tema por el que siempre se había interesado Velázquez. El uso de color acusa una notable influencia de Ticiano, cuyo cuadro Palas y Aracne puede verse copiado en el fondo de la sala.

El cuadro fue pintado en 1656. Este es uno de los últimos lienzos que pinta Velázquez por lo que su técnica de luz y perspectiva esta ya perfeccionada .En esta época Velázquez llevaba mucho tiempo al servicio de la corte. Velázquez llevaba la orden de Santiago, que se le fue concedida dos años después de pintar el cuadro, y con ello vio cumplida su máxima aspiración como cortesano. La cruz se le, añadió a la composición en 1659. Poco tiempo después de pintar Las Meninas Velázquez inicia otra gran lienzo de

Las hilanderas, que junto con Las Meninas forman sus dos grandes composiciones.

LAS CLAVES DE LA ARQUITECTURA

METODOS DE APROXIMACIÓN A LA ARQUITECTURA

Dentro de los métodos de conocimiento, la arquitectura tiene doctrinas diferentes como el funcionalismo, teorias espacialistas, interpretaciones positivas y las formalistas entre otras. El funcionalismo fue formulado por L.H Sullivan y fue el quien afirmo que la forma se determina por su función, mas sin embargo no tenia una definicion exacta acerca de funcionalidad.  Las funciones de la arquitectura es gracias al destino para el que esta hecho un edificio, por ejemplo existen arquitecturas que tienen como funcion el comunicar diversos mensajes ideologicos.  Sullivan decia que de la forma sale la funcion, en el funcionalismo se debe tener en cuenta espacios, columenes etc.

La forma como dijimos anteriormente va junto con la funcion,  que viene siendo como el edificio va a funcionar interiormente y las utilidades que tendra el edficicio.

Otro grupo metodologico es el espacio, como Bruno Zevi dice “ es tal vez en la masa interna donde reside la profunda originalidad de la arquitectura como tal”.  Esta concepcion busca el elemento caracteristico de la arquitectura en algo ajeno a la funcion, El arquitecto Zevi afirma que la esencia de la arquitectura no reside en la limitacion material impuesta a la libertad especial, sino en el modo en que el espacio queda organizado”.

Muchos años atras no se tomaba en cuenta los espacios interiores, pues contaba muchisimo mas el espacio de fuera. Es pore so que es mas facil identificar la epoca en que el edificio fue construido etc. Ahora en nuestros dias gracias al resultado de la revolucion optica que represento el cubismo, acabo con la perspectiva de putno de vista unico e inicio las relaciones entre espacio interior y espacio exterior.  

Con el paso del tiempo sobresalieron ciertas teorias que tenian como clave la proporcion, que se tomo como una regal para la creacion ycombinacion de las partes.  Las teorias de la proporcion resultan utiles para entender la armonia, adecuacion y orden.

ELEMENTOS FORMALES Y COMPOSITIVOS

Dentro de éste capitulo podemos decir la diferencia entre forma y forma artistica. La forma es la apariencia fisica de las cosas mientras que la forma artistica es la forma que surge de las manos del artista. Como ya sabemos las formas arquitectónicas constituyen un lenguake que transmite mensajes y sentimientos. Dentro de los elementos formales basicos del lenguaje arquitectonico estan la columna, pilar, arco, boveda, el lenguaje arquitectonico en si es cuando usamos esas palabras para determinar un estilo,

A diferencia de la pintura la arquitectura presenta formas fisicas  no figurativas, por lo que son valoradas por ellas mismas, mientras que en la pintura casi siempre el observador relaciona la pintura con la realidad y trata de encontrar la relacion entre estas dos.

El estudio de las formas arquitectonicas puede estudiarse de diferentes maneras, Arnheim por ejemplo, prefiere analizar las formas arquitectonicas mediante la percepcion. Decia que el edificio era hecho por el espiritu humano y que por lo tanto, las formas del edificio tienen un efecto psicologico en las personas quienes la observan debido a sus cualidades expresivas. Propone que las lineas tienen diferente significado dependiendo de como esten acomodadas y dependiendo la direccion de su voluta, el cubo representa integridad, el circulo equilibrio y dominio, esfera y semiesfera perfeccion, la elipse inquietud etc.

Wolfflin propone otro sistema de analisis formal basado en la visibilidad pura. Propone varios conceptos en arquitectura como el lineal-pictorico que se entiende como la arquitectura cuyas superficies estan dominadas por una linea, un ejemplo podria ser el Parthernon de Grecia, mientras que la arquitectura pictorica es todo lo contrario, multiplica las formas las complica, las luces e interiores se independizan de las formas, este tipo de arquitectura denomina mas en el interior, un ejemplo es el Nepomuceno de los hermanos Assam.

La arquitectura superficial-profunda la misma palabra lo dice, la arquitectura superficial es la que no presenta una profundidad visual, debido a que son varios planos situados unos tras otros, por ejemplo la Villa Farnesina de Peruzzi, pero su decoracion se centra en los paños de pared y en los motivos planos. Y la arquitectura profunda evita todo lo superficial dando enfasis con luz y cesuras.

Forma cerrada-abierta se define cerrada cuando existe una imposibilidad de desplazamiento debido a su forma cerrada, y al uso de formas demilitadas, un ejemplo seria la Capilla Pazzi, mientras que la arquitectura de forma abierta es la que sin importar el orden, da una sensacion de libertad, juega con la irregularidad y us alas formas abiertas,

Pluralidad-unidad se define una arquitectura plural cuando se expresa autonomia y la belleza con clara individualidad. Por ejemplo la arquitectura griega y renacentista presenta cara plural mientras que la arquitectura unitaria demuestra las forms en conjunto y trata de reslatarlas, ejemplo el museo de Guggenheim de Wright.

Claridad absoluta- claridad relativa, hablamos de una claridad absoluta cuando la forma arquitectonica se representa abiertamente, ordenado de proporciones geometricas facilmente captadas. Y hablamos de una arquitectura indistinta cuando posee una claridad relativa. Luz, sombra, formas complicadas, caracteristicas mas destacadas etc.

 

ARTE Y ARQUITECTURA

El fin ultimo de la arquitectura es su utilidad, debido al funcionalismo, pero la funcion de la arquitectura se cumple desde el momento en que un edificio se habita o es creado.  Hay que saber acomodar los materiales, saber la calidad de los mismos etc para desde un principio saber a donde estamos iendo.

El significado de la arquitectura, se manifiesta a traves del espacio, de volumenes y de formas abstractas del lenguaje arquitectonico.  Otros simbolos derivan de composiciones formales.

Durante la Edad Media, al arquitectura cibil representativa estaba al servicio de los principes y señores que querian construir castillos, pertenece el simbolo de las grandes torres unidas a los edificios italianos.

En la arquitectura Cristiana, los simbolos provienen de las plantas medievales en forma de cruz, que explica la passion de Cristo, y en el Renacimiento exitian las plantas circulares que se referian a la perfeccion e infinitud de Dios y el universo.

Durante el Barroco, las arquitectos de la monarquia y la iglesia alcanzaron su putno mas alto de acuerdo a propaganda.  

El Neoclasicismo, adopto un lenguaje clasico, se construyeron residencias con modelo de villas palladianas.